Mimmo Paladino, “Hortus conclusus” (Convento di San Domenico, Benevento).
Il Paese degli zingari è sul mare (imitazione da Ingeborg Bachmann)
Ancora varcherò la soglia di casa
se qui le case sono verdi.
Ancora andrò per una terra accogliente
se sono saldi i ponti.
Perderò volentieri le pene
d’amore
se esse saranno per sempre perdute.
Non io, ma un altro: generosi entrambi.
Alle frontiere di me farò approdare
la parola
se essa vorrà toccare i miei confini.
E se la Boemia è ancora sul mare:
allora crederò ai mari.
Suscita la speranza nella terra
credere ancora al mare.
Io, ognuno: noi eguali.
Non desidero più nulla per me.
Immergermi io voglio.
Immergermi: e cioè nel mare: lì
ritroverò il Paese degli zingari.
Dal fondo marino mi sveglierò
nella pace.
Conosco ora l’andanza dall’abisso
del mare in sù e non mi sento perduto.
Venite sino a qui, Boemi tutti,
marinai, puttane del porto e navi
senz’àncora. Non volete essere Boemi, Illiri,
Veronesi e Veneziani voi tutti?
Recitate le commedie che spingono
al riso
recitate le commedie che muovono
al pianto.
E smarritevi cento e cento volte
così come io mi persi
e non una prova ho mai superato,
ma per paradosso le ho superate
tutte.
Così come il Paese dei migranti
e un bel giorno gli fu fatta la grazia
del mare e ora si trova sull’acqua.
Io confino ancora ad una parola
e a una terra
Boemo, vagabondo che non ha
nulla
da nulla trattenuto
che ha come dote il mare, il controverso,
terra per me d’elezione: oh, vederla!
Mimmo Paladino, “Porta di Lampedusa – Porta d’Europa”.
La mia non è una traduzione, ma un’imitazione: uno sguardo da Via Lepsius sul Mediterraneo e sull’Europa di questi anni, di questi giorni. Ecco il testo originale:
Böhmen liegt am Meer
Sind hierorts Häuser grün, tret ich noch in ein Haus.
Sind hier die Brücken heil, geh ich auf gutem Grund.
Ist Liebesmüh in alle Zeit verloren, verlier ich sie hier gern.
Bin ich’s nicht, ist es einer, der ist so gut wie ich.
Grenzt hier ein Wort an mich, so laß ich’s grenzen.
Liegt Böhmen noch am Meer, glaub ich den Meeren wieder.
Und glaub ich noch ans Meer, so hoffe ich auf Land.
Bin ich’s, so ist’s ein jeder, der ist soviel wie ich.
Ich will nichts mehr für mich. Ich will zugrunde gehn.
Zugrund – das heißt zum Meer, dort find ich Böhmen wieder.
Zugrund gerichtet, wach ich ruhig auf.
Von Grund auf weiß ich jetzt, und ich bin unverloren.
Kommt her, ihr Böhmen alle, Seefahrer, Hafenhuren und Schiffe
unverankert. Wollt ihr nicht böhmisch sein, Illyrer, Veroneser,
und Venezianer alle. Spielt die Komödien, die lachen machen
Und die zum Weinen sind. Und irrt euch hundertmal,
wie ich mich irrte und Proben nie bestand,
doch hab ich sie bestanden, ein um das andre Mal.
Wie Böhmen sie bestand und eines schönen Tags
ans Meer begnadigt wurde und jetzt am Wasser liegt.
Ich grenz noch an ein Wort und an ein andres Land,
ich grenz, wie wenig auch an alles immer mehr,
ein Böhme, ein Vagant, der nichts hat, den nichts hält,
begabt nur noch, vom Meer, das strittig ist, Land meiner Wahl zu sehen.
Il libro più recente di Nadia Agustoni è per intero un assentimento alla (un dire di sì alla, uno scrivere il proprio assenso alla) vita: evitando lo stereotipo di Nadia Agustoni poetessa-operaia, si sappia da subito che queste Lettere della fine (Vydia editore, Montecassiano – MC -, 2015) dimostrano in modo inoppugnabile e definitivo che quella di Nadia Agustoni è una tra le più alte ricerche di poesia e di scrittura attualmente in atto; inoltre Nadia Agustoni sta portando avanti una riflessione sulla nostra contemporaneità di tale profondità e complessità che fanno di lei un’intellettuale di valore e necessaria per un’auspicabile presa di coscienza su quello che accade intorno a noi e dentro di noi (mi limito a rimandare, qui, ai suoi recenti interventi su Cartesensibili o, andando più indietro nel tempo, su CulturaGay e, ovviamente, a quanto da lei pubblicato sull’Area di Broca, ad esempio). La ricerca costante, coerente, seria, silenziosa, umile in maniera tale da apparirmi monacale è ormai un felice punto di riferimento per chi la poesia la ama – se poi ci si prova a scriverla “in proprio”, ebbene che ci si ponga a studiare questo libro e se ne tragga linfa vitale.
I libri aperti in una città di qualcuno (due emistichi che si leggono sul finire dell’opera) mi sembrano rispecchiarsi già nella dedica del libro: a Grace Paley / in memoria, cosicché anticipo che stiamo per attraversare un volume di circa 160 pagine nel quale la bellezza e la forza del dire poetico è sempre, è costantemente uno sguardo ben aperto sul mondo e sulla storia e in queste Lettere c’è la potenza convincente del canto d’amore nei confronti del mondo, cosicché Nadia Agustoni trova la poesia ancora nell’esplorazione di una pianura da intendersi quale paesaggio antropizzato, dunque profondamente umano e nelle cose che sono un atto di linguaggio, esistenti proprio perché le diciamo.
i volti tra le frasi il poco dei giorni succede chiaro le parole arrivano viene il mondo una volta erano le voci un che di cicoria e limoni o terra a patire e il gas falciava i prati in un altrove dove le spine dove noi e nulla – scrivi sulla morte lì cadono i bambini i fiori che pensiamo per sempre e senza le tue parole c’è altro come se restasse il sangue di tutti e tutta la vita per niente – ma il male credimi il male guarda se siamo soli se siamo figli padri qualcun altro – ricordati chi rideva chi disse cosa a chi e non tornava risposta ma un’eco l’osso cranico
(io non sono la domanda) (pag. 21).
In nota scrive Nadia: “Nella poesia i volti vanno tra le frasi c’è un’immagine frammento che è il ricordo rimasto da un documentario su Halabja e sull’uso dei gas contro la popolazione civile”; questo mi serve per dire due cose: la prima è che trovo interessante la discordanza tra il verso iniziale della lirica e come esso è citato in nota, in quanto viene proposta una doppia lettura che fa perno sul verbo e là dov’esso è sottinteso si è portati a completare con un “sono / stanno”, mentre la nota suggerisce un verbo di movimento che ben si accorda agli altri verbi del testo (arrivano, viene del terzo verso); ecco: il libro comincia con volti che stanno o che vanno tra le frasi e già questo soltanto dice molto del valore altissimo della scrittura di Nadia che cerca volti proprio in un tempo in cui il volto è, invece, o cancellato e ricacciato nell’indistinto di folle anonime o reso feticcio nell’insulso circo della pubblicità e di gran parte del mondo dello spettacolo; poi, nel prosieguo del testo, accade l’arrivare del mondo e delle parole, anche questa immagine bellissima e ricordo che abbiamo appena adesso cominciato a leggere, per cui mi piace l’idea che io abbia aperto or ora il libro e che, attraverso la porta della pagina dischiusa, comincino ad entrare le parole e con esse il mondo (assieme ad esse o conseguentemente ad esse, anche questa sarebbe una questione interessante da dirimere); un mondo profumato “una volta” o (si noti quanto marcata sia la congiunzione disgiuntiva) o erano campi avvelenati dal gas e questa è la seconda cosa di cui desideravo scrivere: nel libro entra subito la memoria, in questo caso lo sterminio della popolazione del villaggio curdo rea, agli occhi del regime di Saddam Hussein, di non essersi opposta all’avanzata delle truppe iraniane in Iraq. Scrivi sulla morte, dice la poetessa a se stessa, testimonia obbedendo ad un imperativo etico preciso e ineludibile: e senza le tue parole c’è altro / come se restasse il sangue di tutti / e tutta la vita per niente. Continuiamo a chiederci perché scrivere e come farlo, se si decide di farlo.
A questo testo segue, isolata al centro di pagina 22, una citazione da Eraclito: avvicinamento. Nadia Agustoni conferma così la sua idea di una poesia in cammino e di una poesia che non si sottrae al bisogno di sapienzialità, inteso come conquista della sapientia, di quel processo che, tappa dopo tappa, dura tutta la vita. Nel Peso di pianura (LietoColle, Faloppio, 2011) si legge:
cosa vuoi che dica la polvere
i diari dell’olocausto mi fan venire in mente edipo a colono con la giovane antigone che dà la mano a un cieco e nient’altro. non una parola li segue, solo un vecchio e sua figlia e i segni del vuoto intorno a loro, lo spavento delle genti che in segreto vedono la ragazza come un toro e la corsa nella polvere con un dio che le urla dietro di fermarsi: “è una ragazza, non può raspare la terra fino alle tombe”. ma non capiva la sua risposta: “va via! la polvere cosa vuoi che dica la polvere, qui viviamo, qui moriamo, un dio non ci ha salvato”.
C’è questo legame tenace tra Nadia e la tradizione greca antica, ripresa e studiata nel suo essere, appunto, sapienza della condizione tragica dell’uomo e interpretazione del presente: qui l’olocausto, nel testo incipitario delle Letteredella fine una strage d’innocenti perpetrata col gas.
E la forma eraclitea del pensiero breve, fulminante (foudroyant, Char docet) e capace di fare affacciare sull’abisso della riflessione è fatto proprio da Nadia in questo libro; siamo a pagina 23: quando il giorno finisce sono un passeggero, come se il tempo del giorno e la scrittura (o l’intero esistere) fossero un treno o un autobus e noi in perpetuo viaggio, passeggeri, nomadi, ospiti del mondo.
Poi si attraversano i molti biglietti sparsi nel libro (“un personale ricordare l’intensa lettura di Pier Vittorio Tondelli” spiega l’autrice in nota) e ancor più chiaro si fa il dialogo non intellettualistico tra la poeta e alcuni autori di riferimento, consegnandoci una scrittura colta, ma non pedante né citazionista, esperta e finemente lavorata, ma non fine a se stessa né fredda. E il dialogo (mi soffermo sull’aggettivo “intensa” lettura, come scrive Nadia), l’intenso dialogo avviene con uno scrittore originale e problematico, del quale sentiamo in modo lancinante la mancanza;
Pier Vittorio Tondelli, una delle voci che s’intrecciano nel libro di Nadia Agustoni.
assieme al PPP di una bellissima lirica dal Mondo nelle cose (LietoColle, Faloppio, 2013) (corpo nostro cielo di guardare / ripeti la fiume pianura ripeti / le dita nel cavo della bocca / metti visceri di cagna all’aria / vita e lingua dove sono vita / e lingua e la cura è cura / del proprio tempo), Tondelli apriva (e apre ancora) ferite nel corpo della società italiana e parlo di quelle ferite necessarie che ci si procura nella lotta, nella non rassegnazione, nell’eticità della fedeltà ad un’idea; scrive Nadia nel Biglietto n. 1:
i fiori e altri fiori un solo fiore e fiorire il gelo e gli occhi non sanno non sanno com’è nei fiori e i passeri i rami – campagne (pag. 24) ed è l’accostamento dei sostantivi, la larga latitanza delle forme verbali, è l’iterazione a donare alla scrittura capacità di commuovere e tensione comunicativa, un canto che cerca una liricità non convenzionale (ormai superata dalla storia e dai nuovi traguardi artistici raggiunti), ché, penso, questo libro di Nadia Agustoni affronta anche l’arduo tema della poesia lirica in questi nostri anni e la poetessa bergamasca comincia così il suo libro, in dialogo con Pier Vittorio Tondelli, con la prosa, quindi, ma si tratta di una prosa che a sua volta ha saputo negare e valicare i confini del genere letterario (romanzo o racconto che sia) e che non si è sottratta alla mescidanza e al coraggio di sperimentare; fiore, fiori e fiorire reiterando suono e concetto scagliano il lettore dentro il processo di rinnovamento stagionale della natura, lo richiamano alla natura stessa (leitmotiv tondelliano è, non scordiamolo, proprio la perdita della naturalezza e la conseguente infelicità-prigionia dell’individuo, il trasformarsi della società in un universo concentrazionario crudele e inumano).
biglietto n. 2
i fiori dove esistono le nostre vite tutto questo – siamo qui a cercarci le parole la terra l’orecchio ascolta come dice sì (pag. 25).
Questo sì risuona per tutto il libro, confermando tra l’altro la caratteristica dell’opera di Nadia Agustoni, che è appunto ascolto e dialogo e che sceglie nomi concreti, bisillabi, primari, (…), ma dall’alta densità metaforica come ben scrive Renata Morresi nella sua perfetta, partecipata Prefazione. E Nadia è capace anche di scrivere un verso lungo isolato nel biancore della pagina come questo: avere nelle spalle primavera e in più le api (pag. 26) al fine di ribadire che il nostro corpo è tutt’uno con il corpo del mondo e il modo è semplice, diretto, centrato sulle immagini concrete; sempre dal Mondo nelle cose riportiamo: viveva con alveari e gesti di agrimensore / mostrava – più del sollievo – / un senso del pudore piantato / in giacche blu marina / e insieme il libro delle navi / istruzioni per l’uso del mare / e della terraferma… // con un pallottoliere / ammainò i discorsi – ma è incerto – / dicevano trasferisse / verbalmente la felicità / ma con barchette di carta traghettava e difficilmente si resiste alla tentazione di pensare a Nadia stessa mentre vive e scrive, non si può fare a meno di notare il ricorrere del tema degli alveari e delle api, ma anche la presenza della figura dell’agrimensore (aggiungerei che trattasi di un agrimensore-agricoltore) e del marinaio, mentre le barchette di carta sono i fogli ricoperti di scrittura.
notes
il bambino è la sua vita la testa rotonda gira a vederti la sua vita mangia, ti guarda, non sa se esiste quel tempo dappertutto qualcosa degli altri. vedi… il bambino è Alessandro ride guarda nei fiori vede il bicchiere la casa la pianta di ciliegio – questa è un’ora stare col bosco è la piega del libro dove scrivi: “siamo stati qualcuno che non sapeva la luce è un apice impararla”. I giorni sono questo, le pagine come la tua cena sul tavolo l’abito nuovo i giocattoli – scrivi: “siamo il tempo che qualcuno ci pensava il viso senza le parole”. (pag. 28)
Il bambino Alessandro è il pronipotino dell’autrice e lo sguardo vergine che, per la prima volta, si dirige sulle cose; la sua vita mangia ed è un mangiare sì per nutrirsi, per crescere, ma è anche un mangiare il mondo, cioè farlo entrare dentro di sé, imparare a conoscerlo; e se c’è, sottintesa, la sapienza eraclitea, ebbene questa lirica è un περὶ τῆς ἀρχῆς, una riflessione intorno all’origine del conoscere, una riscoperta della realtà elementale attraverso il girare della testa rotonda del bambino e il suo sguardo; Nadia scrive versi bellissimi: stare col bosco è la piega / del libro dove scrivi – perché il piccolo Alessandro la costringe a riflettere sulla propria scrittura che è un atto conoscitivo e la poetessa che guarda se stessa scrivere porta a completezza l’atto di consapevolezza esistenziale e conoscitiva che è il poetare (ποιεῖν = fare, creare); I giorni / sono questo, le pagine / come la tua cena / sul tavolo / l’abito nuovo / i giocattoli cosicché accade la scoperta che noi siamo anche il tempo di quando qualcuno ci pensava (o ci concepiva, come straordinariamente dice l’italiano unendo in un unico verbo l’atto del concepimento di un nuovo essere umano e l’atto di far nascere un pensiero); l’età adulta, la poesia stessa diventano poi “viso con parole”, mentre il bambino appena nato è, appunto, un in-fante, un viso senza le parole. Ha scritto Nadia in Dettato sulla geometria degli spazi (Gazebo, Firenze, 2006):
Affilo gli occhi fino all’aria e tutta nuova ho l’infanzia, l’avere sicuro del segugio che fiuta la pista.
Solo la gioia ci avverte che questa è la sola vita che abbiamo e i nostri gusci sono germe di voce o il meno di noi.
A questa vertigine che chiamo fedeltà si fa serena la giovinezza, la nostra età di pigro vento
di peso, d’infinito tic tac. Tutto è chiaro e noi udiamo il futuro.
Teniamo presenti questi versi nel prosieguo della nostra lettura, sia per constatare la coerenza del discorso poetico, sia per misurarne l’evoluzione e le nuove soluzioni concettuali e formali.
La sezione che dà poi il nome a tutto il libro è aperta con una citazione da Giuliano Mesa: La prima parola, che viene dopo la penultima fine. È qui che Nadia incontra un’altra voce con la quale imbastisce il suo colloquio, un poeta-Tiresia che, davanti allo scacco del dire in cui la realtà e la storia sembrano inabissarci, esorta a dire se lo si sa fare (tu se sai dire, dillo), recuperando una fiducia nel fare artistico che sembrava perduta e che Nadia aveva ricalcato già nel testo incipitario delle sue Lettere della fine; l’essere umano ha la parola come possibilità di dirsi e quindi di conoscersi e, consequenzialmente, di dire e di conoscere il mondo, benché (ne riparleremo più sotto) tale conoscenza e la rappresentazione della realtà permangano problematiche e spesso aleatorie.
Intanto incantiamoci a versi come i seguenti:
il tempo in cui giocavi uccelli e pietre e quest’aria aratro sugli alberi – è andato il campo la pronuncia ricordarsi le case è qualcosa nel muso – sta lì divide la bocca (pag. 32).
E persuadiamoci che una poesia lirica sia ancora possibile, ma non quale oppiaceo zuccheroso beverone, bensì come riemersione del canto che è insito nel ritmo della lingua e che è la lingua stessa; esempio concreto:
avremo le rondini per pochi anni: andranno nel breve di un’ala e nell’azzurro. un paesaggio vivo arriva nel grigio dei fumi: saremo un atterraggio di vento (pag. 33).
E ancora:
l’albero cipresso scuro a metà e sul tardi un crepuscolo – i colori del bosco e del fuoco. com’ è grande la terra morente sei uno di una volta e la solitudine è venuto il suo tempo formica e piede – nel secchio il cuore ma il perdono arriva col raccolto la parola fame stringe l’albero di alloro alla tua vita (pag. 34).
E poi:
a esistere c’è il buio più grande – non pensare come pensa il mondo. sembriamo il cortile l’auto e piango per l’idiota la ragazza il campo i vestiti bruciati di chi è lasciato solo. così andiamo con le storie coi cerotti – un vaso di mele gialle ci pensi i quadri nei quadri l’albero dei limoni quando crescevi senza dire: “anch’io” (pag. 37).
nella latta la loro storia. bruciavano i rami nelle cascine, uscivano di notte cercando il campo e pisciare. non sapevano nessuno tra i vivi e i morti, ma i campi di novembre la roggia l’acqua fredda i panni sui fili l’ombra degli uccelli che passava alta. parlavano in una direzione che pensavano l’aria stesse più lontano di guardare. (…) (pag. 39).
Lettere o messaggi, in ogni caso nel secchio il cuore (la pregnanza dell’immagine mi soggioga totalmente e mi fa pensare al secchio d’acqua fredda in cui si riflette la stella mentre Ossip Mandel’štàm si lava nella notte) e quest’aria aratro / sugli alberi e gli alberi, appunto, nominati uno ad uno e in maniera che mi piace definire totale: l’albero cipresso, l’albero alloro e non, semplicemente, il “cipresso” e l'”alloro”. L’asciuttezza del dettato poetico dell’autrice bergamasca ha bisogno di nominare le cose e trova la bellezza abbagliante del suo verso, risultato di una pluridecennale fatica.
Lettere o messaggi, uno, di nuovo isolato nel mare bianco della pagina, questo:
scrivere è quello che sta nell’aperto (pag. 41).
Ancora dal Mondo nelle cose, per richiamo e associazione d’idee: rimane illuminato // non voleva che qualcosa lo attraversasse, ma stava come una breccia, apriva il mondo. gli occhi dei conigli anche nella morte erano qualcosa come ghiaia, prendevano il piede, mutavano luce nella sera. dopo scambiava le stanze col pensiero delle gabbie, delle siepi della malva dietro i muri quando il buio rimane illuminato.
Perché è questo che continua ad apparirmi il libro di Nadia, una continua apertura, uno stare nell’aperto che è meravigliosa espressione, specie in questi anni di chiusura e di rincagnata paura dell’altro.
la mia vita coi fogli e poi senza nella grandezza della sillaba tutto parlavo le cose prese come un grano sono la cosa viva – curo gli occhi curo la morte piccolo passa il sole (pag. 42).
L’occorrenza della parola cosa/cose è significativa, cose che stanno nella grandezza della sillaba – e anche in questo caso è interessante la doppia valenza di grandezza oltre che determinante la presenza del verbo curare; Nadia Agustoni non ama le dichiarazioni di poetica o di teoria della scrittura, ma cogliamo la sua idea di poesia proprio mentre essa si esplicita in testi come questo: tutto parlare e entro questa totalità del dire le cose sono come grano (il chicco nutre oppure dà vita ad un nuovo raccolto), ma non c’è vitapoesia senza la cura per essa e anche per la morte, alla vita consustanziale, o meglio, Nadia scrive di curare gli occhi – lo sguardo, dunque ed è bello pensare alla figura stessa di Nadia, magra, si direbbe ascetica e il volto scarno con quegli occhiali dalle lenti spesse dietro le quali le pupille, miopi e vivissime, allo stesso tempo curiose e timide, esprimono proprio quest’attenzione ininterrotta per gli altri e per il mondo.
(…) cresce breve un dire / salverò i quaderni il libro più limpido (pag. 44): ci si sprofonda sempre più nelle Lettere della fine leggendo passaggi così alti e che confermano quanto la poesia si avvicini, in questo caso, al crescere delle piante e degli alberi, lento e paziente, ma c’è sempre bisogno non solo di curare, bensì anche di salvare; è consolante l’idea che ci siano poeti che scrivono ancora su quaderni e, aggiunge Nadia, salverò il libro più limpido, dove anche quest’aggettivo possiede almeno due connotazioni: la limpidità dell’espressione e la corrispondenza esatta con l’idea e il sentimento che fanno nascere un libro.
Lasciamo scorrere qualche pagina tra le mani, annotiamo altri versi, ripensiamoli:
finito e infinito sono parole di avanzi: tutta la vita nella vita se guardi nascere (quello è sempre).
dei versi bisogna spaventarsi (pag. 46).
(…) / la parola umiliata pesa come l’acero / la pagina dei giornali (pag. 48).
la nostra vita è vedere tutto siamo noi la pianura il km morto il mazzo di fiori sulla statale che aspetta la neve e un’altra neve. l’inverno è dove immagini ogni ora nel grammo dei vetri (pag. 50).
case di pianura che un po’ di vigna / è intorno, un solo filare ma va a sapere… (pag. 52).
Ma la lingua è corda?
certo la lingua è corda
viviamo fragili in parole chiare e nelle mani quando nulla appartiene c’è l’altrove – siedi non bastano i passi, la memoria è rivoltelle tutto rimane atteso
fa prove di ciò che non è ma è quello che saremo a parlarci guarda nei giorni che avrai senza bugia il cielo è un colore
(portando l’intonaco nei capelli i muri staccati) (pag. 53): ma la lingua è corda? Certo la lingua è corda, perché permette di arrampicarsi o di legarsi a ciò che si ama, perché siamo fragili e abbiamo le parole, con le mani della mente lanciamo una corda verso l’altrove, nostra immane ricchezza, specie se siamo stati derubati di noi stessi e la memoria e l’attesa, quasi armi, superano anche l’andare, i passi e ciò che verrà; quello che saremo ci chiama e ci qualifica, i muri del nostro abitare ci accompagnano, in realtà siamo zingari nella vita e la corda può essere quella del marinaio e della sua nave, quella del saio francescano, quella dello speleologo o dell’alpinista…
fatemi vedere la cosa com’è reclama Virginia Woolf a pagina 54. Ma la scrittura che guarda negli occhi la realtà possiede la spontaneità del bambino e può essere urticante come l’ortica (sull’ortica leitmotiv agustoniano dirò più tardi):
Quella di Virginia Woolf è un’altra delle voci che, come un coro di fondo, intessono il meraviglioso libro di Nadia Agustoni.
biglietto n. 3
in poco poco ero il bambino di foreste col magro dei faggi e un’ortica nel canto (pag. 55); ed ecco che cosa fa chi scrive: semino specchietti dove il mio volto non c’è semino senza il raccolto di ieri (pag. 57) e mi torna alla mente una breve lirica dal già citato Dettato sulla geometria degli spazi, eccola: Dolo // Mi duole lo spreco / ma la vita / è più il dolo / di un non vivere / che un vivere troppo.
Siamo giunti all’Oratorio della fine; in limine altre parole di Virginia Woolf, Ci voleva un senso più segreto, fine come l’aria (pag. 59) e scrivo che, ora, noi entriamo nell’oratorio e lo facciamo in un senso doppio, ossia facciamo ingresso nel poemetto e, lasciandoci guidare dal canto di Nadia, entriamo con la mente nella Cappella Suardi di Trescore Balneario dove gli affreschi di Lorenzo Lotto hanno costituito la spinta alla stesura dei versi; ricordo brevemente che la Cappella si trova lungo la strada d’Iseo, come spesso scrive l’autrice, “un tempo via verso il nord dell’eresia protestante” (Agustoni in nota); committente del pittore fu la famiglia Suardi e l’artista vi affrescò il Cristo-vite e le storie di Santa Barbara e Santa Brigida, oltre che di Santa Caterina e Maria Maddalena; sempre la poetessa sottolinea in nota che “la zona è a forte presenza di immigrati e la ragazza del poemetto è una di loro. Le immagini degli affreschi con le scene della vita e del martirio di Santa Barbara potrebbero essere foto-storia del nostro tempo”; la finissima tessitura delle strofe, con una disposizione tipografica del testo che, dopo una sequenza strofica, lascia un ampio spazio bianco affinché il lettore trovi poi un verso lungo isolato in fondo alla pagina, l’elegante tessitura poetica, dicevo, segue una sorta di moto pendolare che va dagli episodi affrescati alla cogente attualità (preponderante per numero di versi dedicatale) che Nadia sente sempre prossima e irrinunciabile, dai significati delle pitture alla vita quotidiana nelle case, lungo la statale, nelle campagne della zona, nella storia del singolo; questa non è un’ékphrasis, ma con assoluta coerenza un dialogo con un’opera d’arte del passato che manifesta tutta la sua attualità, il suo non essere indifferente a quello che accade oggi, alle persone, quali la ragazzina che osserva gli affreschi e che proviene da una cultura e da una lingua diciamo così altra, ma nello stesso tempo non del tutto estranea a quella italiana; questa ragazzina potrebbe essere la futura vittima di uno stupro, così come Santa Barbara fu vittima della violenza paterna (si continua così una colpa dei padri-padroni, dei maschi predatori, degli intolleranti violenti?), nel senso che Nadia Agustoni, facendo della ragazzina figlia di immigrati la mediatrice tra il lettore e gli affreschi di Lotto, ci suggerisce il fatto che la violenza fisica nasce già nella mente di chi la attuerà e che tale violenza, cui come nel caso di Santa Barbara assiste tutta la gente del mercato, può assumere forme diverse, ma il suo risultato è sempre la violazione psicologica e fisica della persona, la negazione della libertà e della dignità della stessa; dentro il farneticare che molti fanno (e si tratta spesso di capi politici le cui parole posseggono dunque una responsabilità enorme) intorno al tema dell’immigrazione, con umanità e finezza commoventi Nadia sceglie la figlia di immigrati, quasi sicuramente di cultura islamica, e la fa entrare nella cappella e osservare le scene dipinte da Lorenzo Lotto; la piccola si riconosce in qualche modo nelle vicende di Santa Barbara, porge a chi legge il poemetto la possibilità di riflettere su storie che, attraverso la tradizione religiosa e pittorica occidentale, toccano la vita e la cultura di chi in Italia giunge, oggi, da altre terre e obbligano il lettore a ricostruire una catena di violenze e soprusi da cui nessuna storia e nessuna civiltà sono immuni.
la casa trasparente è del vento i semi gettati sono piccoli mentre il tavolo scrive la tua storia i mazzolini nei bicchieri sei lì con l’universo le cose sono sera impari dei paesi il campo che raccoglie le voci nelle coperte (pag. 60). Parlando forse a se stessa Nadia Agustoni, con quella sua peculiare percezione della totalità delle cose nel reale, dice del tavolo che scrive / la tua storia (il tavolo scrive, non la mano della poetessa), riprendendo un suo classico stilema rivolge la mente alle case, ai paesi, ai campi: mai, mai Nadia scrive senza avere presente a se stessa il respiro delle cose e la prossimità della comunità. Ma qui c’è, ora, il nodo, insolubile e tragico, il collidere tra l’immagine del tutto positiva e che apre alla speranza del Cristo-vite da una parte e la violenza dalla quale nessun intervento divino salva dall’altra, Santa Barbara inseguita e uccisa dal padre nell’affresco della cappella:
l’abito una pozza di blu sul prato ma nella testa lei sente strapparsi la morte e corre (pag. 61);
L’abito una pozza di blu.
l’uomo che diventa una vite i giardini coltivati e corda tiene lo stupro l’aria muore le mosche – oh! iddio che non salvi.
il mercato nei cesti di rosso strada di mammelle e vento il cotone in cui sale spavento non sai se è guardare (pag. 63). “Un dio non ci ha salvato” aveva già scritto in un altro libro, abbiamo visto poco fa ed era anche citazione da Anna Akhmàtova, di nuovo c’è un dio che non salva e il mondo degli uomini riceve conferma di dover bastare a se stesso e in se stesso di dover trovare ragioni e leggi.
ammansisce bestie e uragani figura di agnello e mondo quando più alto comincia e tiene il cinghiale all’uomo l’animale al bosco l’albero al fulmine e al sereno (pagg. 63 e 64): è Santa Brigida nell’affresco lottiano, è una donna che ristabilisce l’ordine di contro al caos e alla violenza, quasi a dire che l’arte e la cultura possano e debbano continuare a proporci un’alternativa proprio alla violenza e all’intolleranza.
la casa è pasto e volti nel volto avremo gli ospedali le lavagne le pareti – per capire chi siamo viene domenica per i timidi e gli affetti i tanti fiori come se raccolta la zolla tutto fosse (pag. 64). Anche in questi versi riconosciamo l’iconografia agustoniana della casa e del pasto in essa consumato (il pasto cucinato e servito a tavola, consumato insieme è segno di civiltà e lo sapevano bene già gli antichi) e ritroviamo il leitmotiv del volto e quello dei fiori (sarebbe interessante letteralmente contare quante volte ricorrono la parola fiore e il suo ambito semantico nel libro: l’occorrenza è davvero alta). E non sfugga che, scritta a chiare lettere, leggiamo uno dei motivi per cui Nadia scrive: per capire chi siamo.
la strada d’Iseo qui raggiunge gli olivi va avanti sul lago le case popolari rimaste indietro la biblioteca coi compiti di scuola i quaderni la parola neve.
la strada d’Iseo è scavo di case cresciute un tempo alla volta è scuola di calcio e betoniere il sole entra nei panni le auto portano via la luce albero di nessuno (pag. 65). E, come sempre nel poemetto, dalla contemporaneità alla Cappella: scendevano i barbari del nord e nella cappella i committenti a vedere un paradiso di uve / l’uomo che tiene i tralci e matura il suo vino lui beve e beve e beve di nuovo (pagg. 65 e 66). Soffermiamoci a constatare quanto convincente sia la rappresentazione del nostro contemporaneo nella poesia di Nadia Agustoni: asciuttezza dei toni e ferma limpidezza dello sguardo, dominio perfetto del ritmo e chiarezza delle scelte lessicali. Peculiare è, poi, l’assenza in tutto il libro di iniziale maiuscola dopo il punto fermo e la riduzione al minimo (se non addirittura l’annullamento) della punteggiatura, accorgimento che costringe a rileggere più volte taluni passaggi per associare correttamente il verbo al suo complemento o il soggetto al suo verbo, cosicché il ritmo si rivela una continua ricerca della sua modulazione e, cosa nient’affatto secondaria, è immanente al significato e al concetto; la lunghezza del verso è determinata dalle necessità espressive, per cui possiamo trovare e il verso irregolare, ma comunque modellato sul settenario o sull’endecasillabo e il verso molto lungo, costretto spesso a distribuirsi tipograficamente su due righi; l’enjambement, davvero frequente, conferma la preferenza accordata da chi scrive al ritmo-pensiero, piuttosto che al ritmo puramente prosodico.
In conclusione leggiamo:
gli anni sono cose viste i tavoli diventano obitorio gli altri parlano da parte a parte i figli bruciano i figli sono menzogne marjan barbara laleh guardano
angeli grassi sul soffitto e babele parla di nuovo l’uomo è lupo quando offre ci vuole luce a morire il male del colore (pagg. 66 e 67): l’opera d’arte non viene “fruita” (orribile termine!) e “consumata” (altrettanto orribile) in pochi momenti di superficiale godimento estetico, ma problematizzata e posta anche in conflitto con il presente; dal Dettato sulla geometria degli spazi:
Spiegazioni
Non ne va della vita, non sempre e comunque. Sì, gli alfabeti sono alfabeti ma maturo propositi contrastanti. Pensate pure che il secolo è pervertito ma spiegateci le epoche niente affatto romantiche che i dilettanti amano rabberciare per loro uso e consumo. Spiegateci a chi dovrebbero dire grazie le lesbiche e i gay, i neri, le donne, e i disgraziati mai graziati? Diteci, per favore, a chi l’occhio per occhio e il dente per dente andrebbe reso e da chi dobbiamo attendere una risposta?
I committenti (in questo caso i conti Suardi) che vedono un paradiso d’uve e gli angeli grassi sul soffitto rappresentano proprio quell’aspetto della bellezza artistica che fa maturare propositi contrastanti e faceva scagliare Nadia Agustoni contro i dilettanti che confezionano edulcorate rappresentazioni della storia, là dove la storia è stata ed è una catena ininterrotta di violenza e di intolleranza; ritornano alla mente le Domande di un lettore operaio di Bertolt Brecht.
Queste Lettere della fine s’immergono anche nella realtà delle varie forme di Alzheimer, in quel vasto e doloroso continente nel quale i ricordi e i pensieri cominciano a confondersi per poi perdersi in un’ebetudine senza fine e il dolore investe, letteralmente devastante, la persona malata e chi le è vicino; chi è legato da affetto al malato esperisce il precipitare di quest’ultimo nel caos della propria mente, nella distruzione della personalità stessa e la sofferenza è anche questo assistere al disfarsi della memoria e del pensiero, questo perdere la persona amata mentre ella è ancora in vita; propongo dalla sezione intitolata Ischemie:
era quel puledro del buio i sordi con parole che afferrano il mondo –
mite il chicco e un’altra parte di terra coi crochi
nel vestito della domenica si ricorda di piangere e non sa chi è morto per primo
quale assenza ha fine (pag. 71).
(…) il sole era il tuo giorno ma il pensiero si rompe per esilio ti svia e indietro credi vivere
come ora (pag. 72)
(…) le parole si fermano, vediamo qualcosa dei volti, un particolare che non potresti recidere l’abbandono è questa speranza (pag. 74).
Non commenterei per evitare la vana retorica e perché questi versi, limpidi e perfetti, non hanno bisogno di nient’altro se non di essere letti ancora e ancora; mi limito a dire che Nadia tocca anche il tema del possibile venir meno della poesia, l’orrido fantasma dell’afasia che chiunque scriva teme ed esorcizza in qualche modo e che Pierluigi Cappello ha scritto versi altrettanto alti sul medesimo tema.
Nelle pagine di Liguria (precede l’affermazione pessoana Il mondo superiore in cui ci rifugiamo non è meno illusorio a pag. 73, richiamo di forte realismo che lega il poetare alla terra) il ricordo va alle vittime dell’alluvione del 2011, la geografia del poemetto abbraccia la Liguria, appunto, Genova e le terre tosco-emiliane limitrofe, però il canto in memoriam di persone annegate e di terre sconvolte può essere rivolto a qualunque comunità umana che abbia subito lo stesso destino; invito il lettore a fermarsi a meditare a lungo quando avrà letto i versi là si consuma / ogni patria:
– il rumore senza le voci era un’alba. l’acqua sembrava fumo e ombra. a strapiombo era tutto cielo e dopo nel cappotto a rovesci. gli uccelli capovolti e il bicchiere. un blu sottile. – (pag. 76);
il cinipide dei castagni – il Bisagno sale una paura di eterni un inverno nuovo-
nel buio il buio è notte uomini nelle scarpe nei lacci stavano col cranio e le piante –
gli annegati come trifoglio – là si consuma ogni patria –
nel tempo povero decidi le rose il tavolo (pag. 78).
La prevalenza dei tempi presente (storico) e imperfetto indicativo trasmettono con potenza la sensazione che questi avvenimenti siano ben presenti alla mente di Agustoni e così il suo bisogno di parlarne, visto che Nadia è autrice che non scrive mai per narcisismo o per intellettualismo, ma appartiene a quel gruppo di autori che vedono nel mestiere di scrivere anche un atto etico e politico.
– asciugavano il prato. ma tornava il buio di cantine. o era luce senza luce. la città non parlava. pensavano parole. – (pag. 79): la città ammutolita (potrebbe essere la Milano muta di dopo il bombardamento come la rappresenta Quasimodo, ad esempio) non parlava – e poi, con repentino cambio del soggetto, dalla terza singolare alla terza plurale, pensavano parole. Cosicché è forse preciso dovere del poeta scrivere quelle parole soltanto pensate, perché il dolore rimarrebbe rinchiuso in se stesso e, appunto, muto se non venisse verbalizzato; anche perché il dolore si somma al dolore, ci sono i fuggiaschi venuti dal mare / portando gabbie (pag. 80), i migranti che già fuggivano ad una loro tragedia personale e collettiva recando con sé, comunque, la propria prigionia (fu illusione raggiungere la libertà in terra italiana) e si ripete qui l’immagine della gabbia, ricorrente nella scrittura di Nadia, che si tratti delle gabbie in cui sono rinchiusi i conigli o delle gabbie più o meno metaforiche che tengono prigionieri gli esseri umani (da Il mondo nelle cose: in gabbie di conigli sanguinava / e gabbiani volavano / gli coprivano i sogni / conclusa con le pietre l’assenza / si ricredeva sui morti: / saranno nel vento di oggi / o attaccati agli spini / e il silenzio è quel viola delle labbra / il disuso).
Continua a scrivere la poeta: durò per un po’. diventò disarmato parlare (pag. 81), perché la terra violata e offesa dall’alluvione che, è noto, è conseguenza delle speculazioni edilizie, deve subire anche altro: i barbari arrivano coi suv (pag. 82).
salite di Genova il mare nel mare – il cuore bandierina – la guerra dei giorni alle caviglie.
(sarà più duro il vento sbatteranno uccelli tra selciato e vetri scriverai le dita il gesso pagina nera come a lavagna le cose salvate che ricordi)
ritorna nel volto quello che non passa la città nei suoi nomi di piazze e strade e un muro sale se chiami e non c’è parola (pag. 85). Vorrei riflettere sul ribadire da parte di Nadia che “non c’è parola”, che è “disarmato parlare” e intendo dire che l’autrice non nasconde il problema cruciale della distanza forse anche ontologica tra dire il male e la morte e il male e la morte in sé, ovvero la loro rappresentabilità se non per approssimazioni parziali e irrisolte e quindi, de facto, la loro irrappresentabilità.
(…) tra lì e il cielo il volto di una gioia mare e montagna diventati perdono (pag. 87).
i giardini sono vivi col sole l’albero dei limoni è la sedia da cui guardare il mare l’albero barbaro cresce
vive col muro e la strada ogni volta il mare è il mare dei limoni la sedia che sei stanco con mezzo infinito metà d’ogni cosa divisa (pag. 89).
– ma nessuno immagina il vento. la vita è così grande che nessuno crede di vivere. – (pag. 92): tocca alla poesia ricordarlo e sulla grandezza della vita, così spesso offesa e sciupata, si esprime la parola della poesia, contemplante e civile nel suo contribuire a fare di un essere umano un civem.
Ora Nadia Agustoni, grande cuore e grande poeta, compie un atto di umiltà che non deve passare inosservato e che riscatta le molte indifferenze, i molti narcisismi dei poeti (non di Nadia, sia chiaro, ma di moltissimi poeti che non sanno scrivere parole come queste):
– noi siamo incolti e piccoli. perché ogni albero perché la luce. ricordiamo. perché la foglia. perché c’è il nome. perché nulla è veramente nulla. né veramente. perché nei fiori. perché nell’ombra. perché nel giorno i giorni. il mondo l’alba la sera. perché il male. perché il bene. perché un bambino. perché conta sulle dita. perché aspetta. perché dove. perché non è abbastanza se immagini o pensi. perché pensiamo la fine perché l’inizio. perché due. perché tre. perché quattro. e uno è un pesce. uno canneto. uno ricomincia. uno abbandona. perché – (pag. 93) La sapienza non si pone infatti come punto d’arrivo, ma, appartenendo come itinerario e metodo al bambino, si articola nei suoi moltissimi “perché” e la poesia stessa, ci suggerisce Nadia, è un ripercorrere ogni volta i sentieri dei “perché”, un ritornare bambini dalla mente vergine, incolti e piccoli. Questo non mette al riparo dal dolore e tuttavia scrive splendidamente:
(…) nel fazzoletto un po’ ci cura la parola (biglietto n. 5, pag. 94) – vedete quale maestria del dire ha raggiunto l’autrice bergamasca? Saltando con audacia i tradizionali nessi sintattico-argomentativi crea immagini-situazione di notevole forza e bellezza che s’impongono all’intuito del lettore e s’incidono in profondità nella sua mente lasciandovi un’eco e un profumo che non si spengono. Ribadisco infatti (e tengo a farlo) che Nadia Agustoni va conducendo una ricerca assai seria sul linguaggio e sullo stile e lo scrivo ancora una volta proprio qui perché stiamo per addentrarci nella sezione dedicata alla fabbrica e non voglio cadere nel luogo comune Agustoni = poeta della fabbrica, ma continuare a scrivere di Nadia Agustoni quale voce poetica altissima che affronta anche il tema della fabbrica, tema legato a filo doppio alla sua esistenza di operaia che quindi ne sa parlare con piena cognizione di causa. Resta innegabile che Nadia è l’autrice di una delle opere più convincenti sul tema della fabbrica che è, ovviamente, Il taccuino nero (Le Voci della Luna, Sasso Marconi, 2009).
i loro pensieri sono pelle nello scolo dell’acqua lavano i suoni di pareti e aspettano muti come le lepri sulla statale. le rose circondano il vento (pag. 96).
Lascia ammutoliti la comparazione degli operai con le lepri sulla statale che “aspettano” che cosa? Di riuscire ad attraversare o, fatalisticamente rassegnate, la morte?
ma scrivo della disincarnazione del dolore tra fabbrica e fine queste parole mosse da un alito nel cursore indocile. sfioriranno nei padiglioni del cielo contemplando il Tao delle ingiustizie e faremo pernacchie ai preti fermi al sesso degli angeli (pag. 99).
Un “ma” potente apre il testo che racconta della “dis-in-carnazione” del dolore “tra fabbrica e fine”, là da dove giungono, tra i molti luoghi da cui pure provengono, queste Lettere della fine. E “sfioriranno” le parole, ma “faremo pernacchie ai preti” e, mi piace interpretare, anche a quei preti di una certa sinistra e di un certo sindacalismo “fermi al sesso degli angeli”; risalendo fino a Volponi, a Fortini, a Roversi, a Pasolini (ovviamente), attraverso i Quaderni piacentini, ma soprattutto facendo esperienza diretta della fabbrica Nadia può tirar fuori anche il sarcasmo e l’ironia che, talvolta, fanno piazza pulita degli imbecilli molto meglio di lunghe e sterili tiritere.
il rumore nei reparti è “LA STORIA”. l’avambraccio dice il silenzio o se il gesto sulle spalle sposti il cielo dai capelli le dita dal cacciavite. sepolti con un male piccolissimo imploriamo l’acqua dei bagni le grondaie. così le mani di sdegno (pag. 101).
Qui c’è la fabbrica, ma anche il mondo del lavoro e, nel loro ventre, i lavoratori usurpati dei propri diritti e offesi; le mani / di sdegno sono quelle stesse che lavorano fino a sfinirsi e che possono appartenere a operai, a insegnanti, a badanti, a impiegati, a contadini… A chiunque sia costretto a “implorare l’acqua dei bagni le grondaie” … Ma proprio dentro questa dis-in-carnazione
la polvere tiene le cose possiede il ritorno. il nostro segreto è sui ponteggi e nei vetri sporchi. solo un inverno di terra separa breve pietà da martello e la calce mostra lo spazio nudo. l’umano è portare questa vita nei volti. quello che accarezzi (pag. 103). Terenzio: humani nihil a me alienum puto – Agustoni: l’umano è portare questa vita nei volti. quello che accarezzi e nel reiterarsi del tema del volto si reitera la necessità etica di guardarsi in faccia gli uni con gli altri scoprendosi umani, perché
fabbrica non c’è parole (…) sei un mercoledì delle ceneri il mattatoio dei guanti – i libri sono il soffitto e la gente che credi: così pensiamo il corpo nel petto nelle spalle i petali di una casa (pag. 104), perché fabbrica non c’è parole (ma nel paradosso della poesia: con quali parole si può dirlo meglio?) e la casa non è costruita di mattoni, ma di gente, di libri, la casa è un fiore e la parola è un pettine (pag. 105) che attraversa, raccoglie e ordina il mondo come se quest’ultimo fosse capelli, catturandone tra i denti anche le eventuali impurità; e poi (anche per dare ulteriore conferma, se ce ne fosse bisogno, del grado di purezza espressiva e di forza d’eloquio cui Nadia è giunta): l’acustica dei bagni / vuol dire un corpo (pag. 106), distico che conferma l’amore per l’umano e che, non appartenendo alla moda ultimamente diffusa nella poesia italiana di quella che chiamerei la “mistica del corpo”, porta l’attenzione sul sinolo di mente e corpo: non c’è la mente se non c’è anche il corpo. Soltanto la mente pensante può dire del corpo:
tra pareti e obbedienza “noi siamo gli occhi della saldatrice” la blusa accesa. domani scendono coi tubi l’acqua nera. viene fabbrica e porcile ma lanciano i torsoli agli alberi perché crescano nuovi. una volta alzano i tombini e lo sputo (pag. 108).
Sta tutta nel linguaggio la forza espressiva e rappresentativa della poesia, nel suo essere altro rispetto all’uso quotidiano, nella sua capacità espressiva moltiplicata e intensificata proprio grazie all’abolizione dei nessi sintattici tradizionali sostituiti dagli accostamenti e dalle catene di azioni-immagini.
C’è un autoritratto nella pagina successiva? Poco importa, ma leggiamo: corre un giro d’Italia sul piazzale / legge Dylan Dog le poesie di Sereni / e sente i portali un ospedale / (…) / ma il buio è un / bordo alle lampadine (pag. 109): l’accenno a Vittorio Sereni non può non riportare alla mente Una visita in fabbrica dagli Strumenti umani, la citazione di Leopardi che un giovane operaio fa nel poemetto sereniano ed è come se si rinsaldasse quel filo sottile eppur tenace che permette alla bellezza di attraversare anche i luoghi infernali (ricordate Dante ad Auschwitz nel libro di Primo Levi? Petrarca nel gulag in cui è rinchiuso Mandel’štàm? La riproduzione del Prigioniero di Georges de la Tour nei Foglietti d’Hypnos di René Char?) Infatti gli operai nuovi / giocano coi tablet / (…) / a tenere la finestra / aperta si ricordano / il cortile (pag. 110), dal momento che la bellezza non deriva solo dall’arte, ma s’impone nella sua immediatezza. E tuttavia bisogna fare i conti con la privazione di libertà cui i lavoratori soggiacciono: la struttura è fedeltà / vigilata da telecamere / (…) / la fabbrica matura / al neon un nastro / di cemento così verosimile / che non vedi l’uomo (pag. 112). La poeta bergamasca ha saputo trovare la propria via per dire quella che un tempo veniva marxianamente chiamata “alienazione”, cioè ella semplicemente dice e, dicendo, mostra e, mostrando, lascia profilare la mostruosità del lavoro contemporaneo. La fabbrica può essere anche una scuola ridotta ad anti-luogo dell’apprendere e del discutere, un ufficio, un cantiere. La fabbrica quale processo di asservimento e annichilimento dell’essere umano.
si scappa nei sabati a vivere la nebbia a stare via coi libri questo per spiegarlo lo spieghi il giorno di una sedia fuori dal bar o se cammini con l’aria delle tangenziali là sopra e ascolti spari sui campi una luce che venisse via dagli aberi per somigliarti darti un po’ di tempo una domenica con troppo bianco troppo fischiare e i trifogli.
devi passare dalla schiena portare il respiro (pag. 113). Una poesia sulla fine della settimana, un tema riscontrabile già in Sereni e Pusterla, ma così originale e permeata dallo stile di Agustoni, con quel porre l’accento sui libri (i libri sanno essere tetto, parete, respiro, libertà) e con quella presenza degli alberi, cui sempre si associa la luce e poi sopravviene quel “passare dalla schiena”, quasi che la nostra epoca abbisognasse di gesti innaturali o di contorsioni difficili per raggiungere la libertà, per riuscire a respirare: ma pensiamo alle folle immani che, il sabato e la domenica, si pigiano negli ipermercati, altre fabbriche dell’anti-umano…
la parabola di andare con qualcuno oltre quel che chiede – vuol dire che Iddio ci gioca mosche facendoci piccoli ancora – vederci crescere (pag. 118): l’umano, appunto, andare oltre / quel che chiede e crescere, essere sempre il piccolo Alessandro che minuto dopo minuto impara e ama la vita, percorrere tappe di miglioramento di se stessi, attuare un itinerario di ricerca interiore mai scissa dall’attenzione al mondo. (…) / e la stella che guardi ti guarda / l’assenza – da lassù siamo noi / il centro vivissimo dei mondi (pag. 119).
è l’alba che vai a Leopoli coi libri aperti in una città di qualcuno – nel suo cuore. i libri sono intorno e il boato sul mondo ma gli occhi già belli più sereni – Alessandro balbetta fa gnam gnam gattona dice da e l’albero è dove guarda sperare cuccioli – l’inverno nelle manine. cosa sa (pag. 122); quando leggerò nelle antologie scolastiche liriche di Nadia Agustoni e di tanti altri autori e autrici che in questi anni stanno scrivendo poesia davvero alta? Non che siano antologie scolastiche o meno a consacrare un poeta, ma è ora che la poesia ridiventi per tutti un moto vitale e gioioso e che un testo come questo (e Lettere della fine ne contiene una gran messe) sia conosciuto e diffuso per la sua bellezza: la lirica si apre con l’umiltà che solo l’amore per la poesia insegna e cioè con il rimando all’opera di un altro poeta, in questo caso Adam Zagajewski e tramite l’immagine straordinaria dei “libri aperti” nella “città di un altro” che coincide con il cuore di quella persona (sappiamo bene che spesso in poesia la geografia ha a che fare con un paesaggio interiore); ritornano a imporsi i libri, elemento ricorrente ed essenziale nella poesia di Nadia, ma anche il “boato del mondo” ed ecco Alessandro che impara se stesso e il mondo, ecco di nuovo l’albero, uno dei perni concettuali del libro, lo “sperare” e i “cuccioli” e quella sospensione tra domanda e affermazione (cosa sa) conferma la natura dialogico-interrogativa della poesia di Nadia Agustoni. E il suo raffinato sostrato culturale affiora, oltre che dalle citazioni che scandiscono l’opera, anche da versi come i seguenti:
(…) / la parola non viene per noi / l’amico manda messaggi / all’imperatrice: / cantico o congedo. / alla fine il vero (pag. 123), là dove l’accenno è al messaggio imperiale di Franz Kafka e l’imperatore è scherzosamente diventato l’imperatrice, oltre al fatto che sono stati invertiti i ruoli: non l’imperatore/imperatrice invia il messaggio, ma lo riceve.
biglietto n. 6
il gioco del calcio coi gridi dei passanti. ai giardini pensi al gol di mano argentino vendicati i marinai di vent’anni silurati dalla flotta britannica – le alghe
raccontano questa storia di ragazzi sotto le onde spiegano i berretti una loro festa di scherzi senza alcun rancore per quelli tornati a vivere (pag. 127). Nel mondo antico si chiamava pietas il sentimento religioso che comprendeva anche il rispetto e il culto dei morti; Nadia Agustoni, che mi sembra possedere un profondo sentimento religioso, ma laico e liberatosi dalla sudditanza ad una qualche chiesa ufficiale, esercita proprio una tale pietas, ricordando i giovani marinai argentini periti nella guerra per le isole Malvine/Falkland (il gol di mano è quello di Maradona a danno dell’Inghilterra), morti di cui nessuno in Europa si ricorda più, vite anch’esse, assieme a milioni di altre, perdutesi nel mare – morte giovane è stata anche quella di Pier Vittorio Tondelli, non dimentichiamolo, né dimentichiamo che questi biglietti sono inseriti in un libro d’assenso alla vita ed enucleatosi nel nome di Grace Paley
Grace Paley, voce libertaria e progressista nelle viscere di una storia antiumana e violenta.
cosa che, da parte di Nadia Agustoni, è una precisa e decisa dichiarazione ideale e politica; uscire fuori dallo hortus conclusus della poesia, parlare con la gente agli incroci di New York e di Firenze e di Bergamo e di qualunque luogo dove l’essere umano abbia bisogno di riscatto, essere poeta che abbia una meta gentile (ricordo che l’etimologia latina di “gentile” riporta al concetto di nobiltà d’animo) e una mente / qualche volta come i fiori, là dove il sintagma “qualche volta” è determinante, rammentandoci che si può scrivere poesia sui fiori se non si dimentica la propria appartenenza all’umanità offesa, che è l’insegnamento di Grace Paley la cui coerenza pacifista, libertaria ed egualitaria non ebbe un attimo di cedimento, a scorno delle numerosissime anime di delicata violetta che affollano la scena letteraria mondiale:
biglietto n. 7
staccati dalla morte non siamo nessun altro oh! Grace sull’undicesima strada tra il cortile di una scuola e i giardini cullavi l’accento di New York e agli incroci parlavi di pace amore uguaglianza… uomini e donne sono figli e amanti e il poeta ha una meta gentile una mente qualche volta come i fiori (pag. 128); e poi: la mangi e la campi / la vita – stai con i nomi / ancora belli (pag. 130). Inoltre, se a pagina 43 c’era il materializzarsi dentro il testo di una polaroid da Luino (la città di Sereni), adesso ecco (…) / una fotografia del ’45 / veduta di Casarsa / o qualcosa che basta ricordarsi / come le cose belle (pag. 132): il 1945, la guerra e la fine della guerra, Pasolini a Casarsa, ancora Pasolini e l’immane verità del fatto che “basta ricordarsi”, perché le persone e le cose belle si fanno ricordare con immediatezza e semplicità. La conferma viene poco dopo: (…) / si sta tra le mani senza dire / la vita ci raccoglie la bocca (pag. 133), dal momento che Nadia Agustoni sa bene che la poesia si trova in questo suo singolare stato d’equilibrio: da un lato vorrebbe esaurire dentro di sé tutto l’esistere e dall’altro sa che la vita in qualche modo la supera e poesia è sia dire (scrivere, cantare) sia lasciare accadere la vita e le mani, le mani (cose essenziali per Nadia) sono quelle di Lotto pittore e dei tralci di vite del suo Cristo, quelle dell’operaio, quelle che scrivono e sono una casa in cui stare in silenzio, perché è la vita a dirci.
(…) andarsene / non è lasciare la casa, ma cancellare la soglia, dire: / questa porta la casa la calce sono il tempo dei semi chiari
(le cose ricordate, ma il dentro delle case non lo capisci, aspetterai l’inverno, dopo febbraio sgelando, appesa ad ogni spigolo come le piume, aspetterai le foglie: alloro luminoso al centro del tavolo) (pag. 134). Poesie della soglia, dell’attraversamento, dell’andarsene e dell’essere nomadi, dell’abitare case, case-tende, case-lingua-dialetto e del cercare il giardino: mi affiorano alla mente i nomi di Fiammetta Giugni e di Annamaria Ferramosca e di Anna Maria Farabbi e poi anche di Ida Vallerugo, di Maria Luisa Vezzali, di Adrienne Rich, di Louise Gluck, una corona di donne, intellettuali e poete che hanno vera sapienza del dire e dell’esistere nel mondo violento, maschilista ed escludente in cui ci troviamo ad essere.
Dice di se stessa l’autrice:
sono come parlo perché ogni storia è il bene // parlare dritto mettere a schiena / i corpi della semina / (…) / c’erano le barche una forca di strade e Genova / ma il volto su tutto e la ghiaia di notte / col cortile dentro i pensieri, nelle braccia il dolore a metà / dell’uomo, un boccone solo: // i giardini che non avremo / parlano le storie che non avremo / (…)
(per le foglie noi siamo cadere le foglie cadono perché le nostre parole trovano il pensiero delle foglie) (pagg. 136, 137)
Già all’inizio di quest’intervento mi riferivo a Nadia Agustoni quale poeta e intellettuale finissima, rifiutando il cliché dell’operaia prestata alla poesia o viceversa; da pagina 143 ricopio i versi seguenti: nella giacca la nostra forma / usata – o il modo in cui / pensiamo il mondo e lo faccio perché mi sembra di trovare traccia ben chiara dell’atteggiamento che ci rende umani e, in quanto tali, intellettuali, cioè persone che esercitano il proprio intelletto e il proprio sapere per capire se stessi e la realtà: il modo in cui pensiamo il mondo e, aggiungerei, la consapevolezza di pensare e la coscienza di come dover pensare; Nadia suggerirebbe di pensare con apertura, franchezza, libertà, rifiutando i pregiudizi e i luoghi comuni.
Se la premessa è che Qua il tempo cade ancora dalle torri (pag. 144) stando a Giorgio Caproni, continua a dichiarare Nadia: scrivo / in corsivo le ortiche / il meno dono (pag. 145): tagliare i nessi grammaticali per dire con immediata densità, si tratta ancora di questo e si tratta delle ortiche, altro elemento ricorrente in tutta l’opera di Nadia Agustoni, forse le stesse ortiche su cui la poesia di Paul Celan ha camminato “sulle mani” e, accanto ad esse, il blu della tuta d’operaio, del cielo, di tutto ciò che significa sofferenza, distanza, attesa, speranza, struggimento, desiderio: il blu di un blu più lento / aspettando le città di un giorno / e un domani (pag. 146).
Sopravviene una sorta d’interludio, armonioso e sorridente:
escono dalle nuvole gli uccelli e le stelle rotonde – i bambini invece sono cometa
stanno in un canto, stanno lassù il loro mondo – i colori (pag. 147)
Il “Billy Budd” di Benjamin Britten.
Il franto canto di Billy Budd, dolce e stupefatto, si fa udire nelle pagine finali del libro ed è l’eroe melvilliano che, dopo la sua morte, si aggira tra i vivi, sorpreso e malinconico, confermando l’idea di Giuliano Mesa circa la “penultima” fine; Nadia scrive infatti nella nota che conclude tutto il libro: “La fine ovviamente non c’è mai, per dirla con Giuliano Mesa è semmai sempre la penultima fine” e aveva detto nel Mondo nelle cose: crusoe // conosceva la fine come nei muri anneriti / e nel bianco, un Crusoe che contempla la fine, dunque, ma che non la vive ancora in toto – se stesse vivendo la fine non potrebbe parlarne, lascia intuire la poeta, la fine di cui si può realmente parlare è sempre la penultima, cioè l’avvicinamento ad essa, il presentimento di essa e avremmo così una possibile interpretazione del titolo stesso del libro Lettere della fine, non a caso scandito in sezioni che si chiamano la fine II, la fine III, lettere della fine II, lettere della fine III.
Un cambiamento nel registro ritmico rende bene l’incedere stupefatto di Billy Budd e la sua innocenza inaccettabilmente compensata con la condanna a morte: nell’occhiosolo il mare e / nell’altro un gabbiano entra luminoso / (…) / oh buio, cosa vidi quando / mi alzarono o calarono / non lo vedo, né / cosa presi di me (pagg. 151, 152); sono // balbuzie e uguale / sto nel nulla (pag. 153); nella morte qualcosa / mi porta da voi / per voi (pag. 154). I versi brevi, la melodia spezzata e i fortissimi salti-enjambement tra strofa e strofa conferiscono grande originalità al ductus poetico; per esempio:
sentii tradimenti ma vivo il polmone e vivo un rosso brillare come lama colpire – sta
nel giorno il giorno si alza nei muscoli nella morte qualcosa mi porta da voi per voi – dovrà
uno attardarsi il silenzio scuoterlo dentro, tenerlo desto di più che paura – sempre (pagg. 153, 154) e quest’architettura ritmico-prosodica investe tutta la composizione; c’è una bellezza ritmico-linguistica nella poesia di Nadia che non è fine a se stessa, ma che risulta essere cura della forma, ricerca sul ritmo e sul lessico, lavoro infaticabile sul linguaggio.
Le due ultime pagine del libro sono introdotte con una citazione da Virginia Woolf: C’era anche il desiderio di un amore aperto (pag. 156) e aprire, aperto, apertura si confermano filo rosso delle Lettere della fine assieme all’amore per la vita, per la gente, per la scrittura, per i luoghi, per l’arte:
chiamo i nomi perduti la luce che non è nell’ora (pag. 157) è altro verso lungo isolato nell’enormità della pagina bianca, quasi a suggerire una sua natura di frammento d’ascendenza presocratica o un suo appartenere alla serie delle illuminations rimbaudiane, alle accensioni foudroyantes di Char, alle rivelazioni sapienziali dei molti autori compulsati da Zagajewski… e anche nelle pagine di Nadia la poesia è atto del nominare, in questo caso specifico nominare i nomi perduti, come si invoca la luce quando essa non c’è; la conseguenza è che la poesia, pure in piena era informatica e largamente postindustriale, continua ad essere anche una sapienziale nekyia, un incontro con i morti.
(…) ma andiamo con una solitudine che sente la morte cresce a mandarini a muraglie (pag. 158)
A sigillo di questo mio intervento sono felice di poter dire che in questo caso devo agli angelici (“angelo” significa messaggero) uffici del carissimo Giampaolo De Pietro il dono di questo libro-capolavoro e del quale ho sentito immediato il bisogno irrefrenabile di scrivere senza riuscire a staccarmi né dalla lettura né dal lungo ricopiare e annotare. Giampaolo è amico assai generoso che ama mettere in contatto tra di loro le persone: non saprò mai essergliene grato abbastanza.
E ringrazio Nadia perché continua a donarci libri così necessari e alti, luce, speranza, fiducia negli esseri umani; la ringrazio anche per una sua lontana lirica che da qui, da Via Lepsius, non posso non porre a chiusura del mio intervento:
leggo kavafis
leggo kavafis e pare spino l’anelito la pazienza avanza parole, si macera il ritardo dell’ora sugli scuri nella vita e i pensieri assommano il fare domestico, un solco di paure i si e no e in due si canta la scommessa del due: il giovane più bello e l’occhio che fruga leggero un fazzoletto la vena azzurra nel polso, il polsino bianco, che immagino… gioca una finta l’uno e l’altro finge anche lui ma perdona la frase scesa al sereno dei gesti, il pomeriggio che i cortili hanno oracoli e si tradisce su e giù la palpebra si fa poco la voce e il desiderio è un estraneo può divinare il silenzio, una lingua assurda, un nome che non importa ma importava “ passano le cose, chi ha creduto in una città leggeva le tombe, tutta a mente alessandria si biforca, lo stesso dei vicoli l’andare, la memoria in alfabeto di greci”.
Via Lepsius 